ESZENABIDE

3ª edición del escaparate de proyectos escénicos ESZENABIDE

Durante la celebración de este Escaparate, el público seleccionado asistente elegirá un proyecto de los cuatro, que será considerado como proyecto en residencia de Harrobia para el año 2022.

ESZENABIDE

Escaparate de proyectos escénicos.

Un nuevo espacio de encuentro entre creadores y públicos.

Proponemos una idea innovadora en el ámbito de Euskadi: un show-case en el que se presentan diferentes proyectos en fase de diseño ante un público objetivo, diverso y con criterio escénico, que servirá de grupo de contraste con el fin de testear y promocionar futuras obras escénicas.

Una metodología que implica al público en el desarrollo del proceso de producción y que puede aportar a los creadores un punto de vista sugerente para su trabajo.

  • LAS PRESENTACIONES SERÁN DINÁMICAS Y ESCENIFICADAS.

    Con una duración de 15′, estarán acompañadas de referencias escénicas que muestren al público el planteamiento y las intenciones artísticas de los proyectos.

  • METODOLOGÍA PARA LA RECOGIDA DE OPINIÓN.

    El público asistente rellena un cuestionario y se abre un intercambio de opinión entre la compañía presentadora y el público.

  • UNA CONVOCATORIA ANUAL.

    Los proyectos se seleccionan por un jurado experto tras convocatoria pública .

WITHIN

Un prototipo de videodanza virtual en el que acercarte a la mente de quién crea.

WITHIN surge de la voluntad de establecer relaciones significativas en un entorno de lejanía. En pleno confinamiento, ante el alud de videos de espectáculos, Jemima comenzó a investigar sobre nuevos formatos de crear para ser vistos por una sola persona sin necesidad de desplazarse. Así se inició en el video inmersivo 360, en la interacción con elementos 3D, y con nuevos formatos de XR que combinen la presencia real de cuerpos con elementos creados por ordenador. WITHIN propone un viaje por la mente de alquien que crea desde la danza, entendiendo los elementos presentes y sumergiéndote en espacios reales con gafas de realidad virtual.

DOOS Colectivo se fundó en 2013 al encontrarse Eva Guerrero (creadora de danza) y Jemima Cano (productora y gestora). Sus trabajos se centran en acercar la danza a nuevos públicos y, además de sus producciones, en ofrecer actividades de mediación y participación. DOOS combina la creación coreográfica con el video, la sensibilización y una comunicación cercana que demuestre que la danza contemporánea no es extraña sino desconocida. Algunos de los trabajos más conocidos de Eva Guerrero son “Gorpuztu” (candidato a los MAX 2020) o “El fin de las cosas” (Premio Karrikan).

SOUVENIR

Cuatro personajes realizan un entrenamiento amateur para el viaje espacial y la adaptación al nuevo planeta. Estratosfera, Marte, galaxias,…el sueño de un nuevo planeta por estrenar… ¿se convertirá en un homenaje inconsciente a nuestro viejo planeta?

Abiapuntuko galderak:
Noraino eraman gaitzake gizakia mugarik gabeko izakia/espeziea denaren sinesmenak?
Zein dira unibertsoaren grabitate zentrua gizakia dela ustearen ondorio ironikoak? komikoak?
Eta tragikoak?
Zer kontatzen du kolonizazio proiektuak kolonizatzaileari buruz?
Beharrezkoa al da amateurismoaren plazerra esperimentu/ desira bat
mugaraino eramateko?
Etorkizunera egindako bidaia batek zer konta lezake orainari buruz?
Nola gaurkotzen du iragana etorkizunera bidaiatzeak?
Nola elikatzen dira elkar bidaia fisikoa eta bidaia morala?
Posible al da egunerokotasuna erreproduzitzea testuinguru zeharo
ezberdin batean?
Zer dago gure mundua beste mundu batean erreproduzitzeko desiraren
oinarrian?

El colectivo Horman Poster nace en 2010 de la colaboración entre Matxalen de Pedro e Igor
de Quadra, y llevan 10 años produciendo y creando de piezas escénicas innovadoras y experi-
mentales. El colectivo ha creado y mostrado su trabajo en contexto de arte diverso, a menudo
fuera de Euskadi (España, Potugal, Italia), continua dando al euskera un lugar central en su crea-
ciónes, siguiendo un compromiso con su cultura local.
Desde 2019, se han incorporado al colectivo Maite Aizpurua, Jon Ander Urresti y Xanti Agirre-
zabala (primera promoción de Dantzerti) sumando diversidad y frescura, creando grupalmente
un primer trabajo, “Antigone edo ezetzaren beharra” (Premio Encuentros de Azpeitia 2020).
Para este nuevo proyecto continuamos con los mismos colaboradores artísticos, con la inten-
ción de fortalecer y profundizar en las complicidades: Miriam Isasi ( escenografía), Arantza Flo-
res (iluminación), Alberto Sinpatron (Vestuario) eta Asier Renteria ( Sonido).

EL ARTE DE NO SER

“El arte del no ser” nace del deseo de entender por qué nosotras nos escondemos frente a las demás. Este proceso comenzó con la pieza “Imperfectas”, estrenada en el festival BAD en Octubre del 2020.

“Imperfectas” recoge todo este complejo mundo interior de las tres intérpretes:

«Un mar lleno de singularidades y contrastes. Una realidad absurda y sincera de un mundo lleno de amor y aceptación. Un espacio de prueba y error. Un lugar de juego. De ni siquiera juzgar. Un sitio donde exponerme. Un contexto donde reírme de mí misma. Aprender a no hacer. Convivir con ella y él; mi ser actual y mi ser natal, y a dar lugar a la asunción, al respeto. De poder asumir que te miren sin tener que fingir que eres otra».

En el arte del no ser, por el contrario, se mantiene la misma temática pero no el foco de trabajo. En este caso, la atención se centra en la resistencia que ponemos frente a las situaciones que nos incomodan, inhumanas e incluso irreales. Es decir, la capacidad que tenemos de construir sobre nosotras mismas infinitas caretas y corazas, para no observar y asumir aquello que nos toca vivir. Pero además de eso, en estos dos últimos años hemos podido conocer y vivir la nueva situación de que se convierta en algo normal el hecho de tener que vivir detrás de una mascarilla. Algo que nos ha sido impuesto a todas por igual.

RELACIÓN ENTRE EL CONCEPTO Y LAS REDES SOCIALES:

Está claro que es la época de la imagen y la inmediatez, donde la palabra, las emociones y los sentimientos se empujan hacia una parte escondida de nuestro ser. También es cierto que es
comprensible y entendido por todas la necesidad que cada una tenemos de mantener nuestra intimidad en secreto, pero me pregunto si somos dueñas de nuestra libertad o incluso si el miedo que tenemos a abrirnos, nos paraliza hasta el punto de llegar a convertirnos en otra persona. Toda esta reflexión me lleva a las redes sociales, como un gran ejemplo que refleja toda esta idea.

Las redes sociales las hemos convertido en una herramienta muy valiosa sobre la que poder escondernos, dejando ver solo nuestra parte “perfecta” y tapando aquello que identificamos como “no bello, no bueno” de nosotras. El conflicto de todo esto no es solo el hecho de que podamos ponernos una careta para presentarnos en ellas, sino que esa careta se haya llegado a convertir en nuestra cara, perdiendo la conciencia entre la realidad y la fantasía de cada una de nosotras. De aquí llegamos al concepto de la máscara. La máscara como una figura que representa un rostro humano, animal o puramente imaginario, con la que una persona puede cubrirse la cara para no ser reconocida o tomar el aspecto de otra.

CONEXIÓN ENTRE LA OBRA Y LOS ÚLTIMOS EVENTOS MUNDIALES:

Es muy fácil que podamos sentir cercano el concepto de la máscara en este momento de COVID en nuestras vidas. Nuestra cara ha cambiado para el exterior, hemos dejado de conocer o incluso reconocer la identidad de seres cercanos, nos cuesta respirar, hemos perdido nuestra identidad. Nuestras miradas expresan mucho más que antes y nuestras voces cobran mucha más importancia.

Estas dos ideas principales: el deseo de ser (opción) y la imposición de que debo de hacer (norma/ley) son las ideas principales sobre las que quiero centrarme en el trabajo de “ el arte del no ser”. Y encontrar el modo de que ambas ideas convivan en un mismo trabajo.

Para ello considero muy importante centrar la investigación en el cuerpo y en el rostro, volviendo a traer de nuevo el concepto de la máscara. Una máscara que decido ponerme o una máscara que nos obligan a llevar.

InPut nace en 2012, con el objetivo de utilizar la herramienta del cuerpo como un canal de comunicación, de movimiento, gestualidad y voz.
La compañía trata de llevar a escena temáticas comunes, como son las relaciones, emociones o pensamientos, buscando caminos para poder escenificar diferentes experiencias de la vida cotidiana en sus trabajos. Es por ello, que las piezas son genuinas y no buscan la sofisticación, sólo la autenticidad de lo que se quiere trasladar.
InPut está compuesta por un elenco diferente en cada producción, con Aiala Extxegarai como directora de la compañía.

Creaciones de la compañía hasta el momento:

Imperfectas, 2019
Ayuda de Creación Coreográfica Gobierno Vasco en 2018.
Residencia Espacio Punto de Fuga 2019.
Subvención a producción, Gobierno Vasco 2020.
Transiciones, Harrobia espazio eszenikoa 2020.

Un.Y.Dos, 2017

Nosotros, 2017
Beca de residencia de creación en Bululú2021 (Madrid)

Play, 2015
PREMIO JOVEN del 29º Certamen Coreográfico de Madrid

Piel Rota, 2013
Ayuda de Creación Coreográfica Gobierno Vasco 2012

LO QUE NO SE VE

Seis jóvenes. Desde su idílico verano. Desde su crudeza escénica.

«Lo que no se ve» es una pieza escénica desde la interpretación y dramaturgia contemporáneas. La dramaturgia se articula a traves del diccionario del teatro de Patrice Pavis y surge de la necesidad de cuestionar este costumbrismo artístico que propiciamos y en el que nos vemos inmersos: La canonización del cuerpo, la proliferación del ego, el individualismo, el artista por encima del arte, el actor/actriz como producto, la mujer en escena, la masculinidad en escena. ¿A favor de qué estamos utilizando la forma artística? ¿Es esto lo que queremos?

Lo que no se ve nace como primer proyecto de Vulnera Compañía. Es una pieza escénica de carácter contemporáneo en la que intervienen seis intérpretes formados en la Escuela Superior de Arte Dramático del País Vasco, Dantzerti: Paula Prol, Maialen Marín, Albar Cirarda, Ana Ochoa, Celia Fañanás y Ana García. Esta última resulta ser, a su vez, fundadora de Vulnera y dramaturga/directora de la pieza. Los seis intérpretes han participado en diversos proyectos escénicos y audiovisuales en Euskadi y se encuentran en continua formación artística. Ahora, vuelven a reencontrarse en escena para tomar conciencia de lo invisible.

© Copyright - Harrobia

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